На этой странице я размещаю наиболее удачные проекты по ИЗО и МХК и их результаты.
Проект
«УДИВИТЕЛЬНЫЕ КОШКИ»
Научный руководитель:
Высоцкая Екатерина Андреевна – учитель Изо и МХК
Вид проекта:
Творческий. В проекте использовался анализ материалов, предложенных учителем, исследовательская работа, проведенная в разных формах и материалы изученные самостоятельно, а результатом усвоения материала являлась творческая работа.
Предметный. Проект проводился на уроках изобразительного искусства. Выполняя исследовательскую работу, ученики изучают такое направление в искусстве, как авангард и приобретают дополнительные навыки в изобразительном искусстве.
Внутриклассный. Проект выполняется учениками 7а класса на уроках изобразительного искусства
Актуальность
- Необходимость научить детей навыками исследовательской работы, научить молодых людей делать выводы, проанализировав материал. Научить молодых людей делать презентации, креативно мыслить и научить умению решать поставленную задачу с неожиданной точки зрения.
- Необходимость разнообразить уроки изобразительного искусства
- Необходимость подготовить молодых людей к восприятию материала мировой худ. культуры в след. классах.
Что мы исследуем?
Мы изучаем творчество художников авангардистов и исследуем причины возникновения такого направления в искусстве, как авангард.
В результате мы наблюдаем и исследуем реакцию современного зрителя на авангардную выставку .
Гипотеза
Мы предполагаем, что авангардные направления в искусстве занимают в современном мире одно из первых мест и для восприятия молодым и современным людям гораздо интереснее, чем классическое искусство ( в данном случае имеется ввиду живопись эпохи средних веков, Возрождения).
Мы думаем, что обыкновенный массовый современный зритель ( в данном случае имеются ввиду те зрители, которые не учились в художественных школах и художественных институтах) готов к восприятию авангардных арт-объектов, авангардной живописи и авангардных выставок.
Мы предполагаем это на основании того, что современные зрители живут во время прогресса, привыкли довольно четко и быстро выражать свои мысли ( обычно это связано с ритмом жизни и работы), современные люди умеют коротко и четко выражать свои идеи и воспринимать схематичные изображения и символы.
Именно поэтому несколько ярких пятне будут гораздо понятнее и произведут большее впечатление, чем классическая старая картинка с лиссеровками и подмалевком, над которой работали несколько лет.
Цель проекта
Изучив творчество художников авангардистов начала 20 века, мы выполняем творческие работы и организуем арт-выставку котов ( выставку кошек), на которой приглашенные зрители ( ученики 9 б класса и учителя нашей школы), прослушав выступление «искусствоведа» (наш одноклассник – участник проекта) должны подтвердить или опровергнуть нашу гипотезу.
Задачи проекта:
Изучить и проанализировать творчество художников авангардистов
Научиться креативно мыслить и проводить креативные презентации
Преобрести новые навыки в изобразительном искусстве
Методы:
Как мы будем делать проект?
- Наглядные методы. Мы будем смотреть работы известных художников авангардистов
- Словесные методы. Мы будем готовить в разных формах выступления о жизни и творчестве художников авангардистов (презентация, сценка, стихи, показ слайдов, самостоятельное изучение материала и выводы).
- Практические методы. На уроках изобразительного искусства мы будем выполнять творческие работы в стиле художников авангардистов
Название проекта: «УДИВИТЕЛЬНЫЕ КОШКИ»
Такое название мы выбрали не просто так. Существует одноименное стихотворение Д.Хармса, который тоже был писателем, «плавающим» в таком большом течении, как авангард.
ОСНОВНАЯ ЧАСТЬ
Этап 1
Собравшись группой из пяти человек мы приходим в 9б, чтобы поговорить о таком направлении в искусстве, как авангард и провести небольшой опрос.
В современных диалогах, презентациях и даже в характеристиках, описаниях характера или внешнего вида часто встречается такие слова, как АВАНГАРД, АВАНГАРДНЫЙ…..Порой перед этими словами люди добавляют что-то вроде : «Ну это уж совсем….авангард..» или «Ну это такое..что-то такое ..авангардное…»
Вследствие чего стоит предположить , что люди живущие в 21-ом веке очень даже часто используют такое понятие, как АВАНГАРД, правда далеко не все в точности знают, что это за направление в искусстве и какие художники и поэты пытались первыми быть необычными и удивительными для своих читателей и зрителей.
Но современные люди абсолютно все знают, что к авангарду имеет отношение нечто необычное, новое , непонятное, странное….
- Что такое авангард?.
- Ну это-то что-то такое….
- Это черный квадрат какой –то..
- А что там в черном квадрате? Вы его видели?
- Там как смотреть надо чтобы что-то увидеть?
-Там внутри что-то есть? Как он сделан?
- Нет, молодые люди…Там внутри абсолютно ничего нет….
- А вот в третьяковке мы были и там толпа всегда стоит и рассматривает…мы тоже близко подходили…ничего не увидели.. Что там хотят рассмотреть все эти люди?
- Возможно истину…
Дальше мы приглашаем всех на выставку кошек, которая состоится в указанное нами время и приступаем к работе
За время нам хотелось бы рассказать о направлении АВАНГАРД в России именно потому, что для каждого менталитета АВАНГАРД воспринимается как-то по-своему, на мой взгляд. Иностранцы авангардисты это ж ясное дело.. странные они все….необычные и далекие…А вот когда свои делают и пытаются создать что-то странное, даже глядя на европейских художников и писателей, надо бы разобраться почему и зачем и очень любопытно как это воспринимают зрители.
Этап 2
Если попытаться нарисовать портрет художника авангардиста, а в качестве полосок на его воротнике использовать направления, на которые можно поделить АВАНГАРД, то получиться примерно пять основных полосок ( направлений).
ФУТУРИЗМ.
КУБИЗМ.
СУПРЕМАТИЗМ.
АНАЛИТИЧЕСКОЕ ИСКУССТВО.
АБСТРАКЦИОНИЗМ.
Эти работы мы выполняем на уроке изобразительного искусства, после того, как прослушали выступлении и презентацию одного из участников нашего проекта.
Этап 3
На этом этапе мы слушали лекцию и конспектировали ее.
ФУТУРИЗМ
Автор слова и основоположник направления — итальянский поэт Филиппо Маринетти (поэма «Красный сахар»). Само название подразумевает культ будущего и дискриминацию прошлого вместе с настоящим. Футуризм от лат. Слова futurum- будущее. Для наших современников будет интересно провести параллель с мультфильмом под названием ФУТУРАМА. Каждый ученик с удовольствием на вопрос, что ж такое ФУТУРАМА и как вообще это перводится быстро ответит : «БУДУЩЕЕ!»
С латынью – то нынче не очень… в общем среднем образовании…
Футуристы восхищались техническими достижениями цивилизации. Они воспевали новейшую технику и современный город.
Художники- футуристы любили изображать мчащиеся автомобили и паровозы, летящие самолеты. Их приводили в восторг движение и скорость машин.
Футуристы решительно отвергали культурное наследие прошлого и выступали за создание не связанного с ним будущего.
Что же вдохновляло поэтов и писателей футуристов начала 20 века?
Трубы, телефоны, копоть и дым, появление лифтов.
Владимир Маяковский говорил: «Мы чаще видим электрический фонарь, чем старую романтичную луну».
20 февраля 1909 г. в газете «Фигаро» Маринетти (итальянец, который считается создателем футуризма) опубликовал «Манифест футуризма». Он был написан для молодых итальянских художников. Маринетти писал: «Самые старые среди нас — тридцатилетние, за 10 лет мы должны выполнить свою задачу, пока не придёт новое поколение и не выбросит нас в корзину для мусора…»). В манифесте Маринетти провозглашается «телеграфный стиль», что, в частности положило начало ещё и минимализму.
Помимо Маринетти, основоположниками футуризма были Балла, Боччони, Руссоло, Карло Карра, Джино Северини. В 1912 г. в Париже состоялась первая выставка художников-футуристов.
В России первыми футуристами стали художники братья Бурлюки. им удаётся сплотить вокруг себя самые разные, яркие, ни на кого не похожие индивидуальности. Маяковский, Хлебников, Кручёных, Бенедикт Лившиц, Елена Гуро — наиболее известные имена. В первом манифесте «Пощёчина общественному вкусу» призыв: «Бросить Пушкина, Достоевского, Толстого и проч. и проч. с парохода современности». Но призыв этот смягчён высказыванием ниже: «Кто не забудет первой любви, тот не узнает любви последней». Но даже такие кумиры, как Александр Блок, не избежали обвинения в том, что «им нужна лишь дача на реке». Так или иначе, но футуризм подарил поэзии трёх гениев: Маяковского, Хлебникова, Пастернака. Не говоря уже о море талантов: Хабиас, Каменский, Шкловский, Зданевич, Кручёных.
Судьба многих футуристов трагична. Одни расстреляны, как Терентьев, другие сгинули в ссылке, как Хабиас. Выживших обрекли на забвение: Каменский, Кручёных, Гуро, Шершеневич. Только Кирсанову, Мартынову, Асееву, Шкловскому удалось, несмотря на опалу, сохранить статус признанных писателей и дожить до преклонных лет в полном расцвете творческих сил. Пастернак был затравлен при Хрущёве, хотя к тому времени полностью отошёл от принципов футуризма.
Отвергая культурное и художественное наследие, футуристы выдвигали в искусстве принципы эксцентричности, издёвки над традиционными вкусами и шокирующей антиэстетичности. Интимные чувства, идеалы любви, добра, счастья объявлялись человеческими "слабостями"; эмоции и ощущения оценивались по мерке физических (машинных) качеств — силы, энергии, движения, скорости. Современное бытие, которое футуристы призывали моделировать наиболее полно и концентрированно (отсюда проповедь единого, синтетического искусства), мыслилось ими лишь как "жизнь материи" — динамичный комплекс небывалых психических и физиологических вибраций, разнонаправленных сил и движений, звуковых и оптических эффектов. Абстрагированная от духовных ценностей хаотическая регистрация теснящих друг друга впечатлений, механическое совмещение разнохарактерных аспектов, произвол в области формы вели к иррациональности и распаду образного строя.
Если предложить всем ученикам нашего класса перечислить современные достижения науки и техники ( ведь ясно, что существованием телефона и телеграфа, аэроплана и лифта сейчас никого не удивишь) и предложить , используя эти элементы изобразить , например кота, получиться ли современный футуризм? А стало быть и современный авангард?
На наш взгляд, получится и очень даже неплохо.
Для того чтобы закрепить понимание того, что из себя представляет такое направление русского авангарда, как футуризм мы в классе на уроке изо изображаем котов ( первые представители нашей будущей выставки) так, как их изобразили бы художники футуристы.
Этап 4
На этом этапе мы подготовили дома небольшое выступление (сценку) для наших одноклассников, которая называлась «Я – Каземир Малевич».
В стиле реп ученик нашего класса, одетый как художник изложил нам информацию о творчестве художника, показала в реальном времени, как создавались основные символические произведения супрематизма, показал некоторые «свои работы» и рассказал о них. Из этого выступления мы сделали следующие выводы:
Создателем супрематизма считается художник Каземир Малевич, а его произведение «Черный квадрат» - считается символом супрематизма.
Супрематизм от лат. Слова supremus - наивысший
Супрематизм выражался в комбинациях разноцветных плоскостей простейших геометрических очертаний (в геометрических формах прямой линии, квадрата, круга и прямоугольника). Сочетание разноцветных и разновеликих геометрических фигур образует пронизанные внутренним движением уравновешенные асимметричные супрематические композиции.
На начальном этапе этот термин, восходивший к латинскому корню suprem, означал доминирование, превосходство цвета над всеми остальными свойствами живописи. В беспредметных полотнах краска, по мысли К. С. Малевича, была впервые освобождена от подсобной роли, от служения другим целям, — супрематические картины стали первым шагом «чистого творчества», то есть акта, уравнивавшего творческую силу человека и Природы (Бога).
Каземир Малевич – один из величайших реформаторов в искусстве 20 века.
Он первым подошел к пределам, исчерпывающим выразительные возможности живописи в традиционном ее понимании. Открытый им супрематизм, пожалуй, наиболее радикальное из художественных направлений первой половины 20ого столетия.
В первом десятилетии 20ого века мировой живописный авангард неуклонно двигался в сторону беспредметности, нонфигуративности. Французские кубисты вплотную подошли к этой черте, но не решились сделать последний шаг.
Теоретики кубизма писали:« Признаемся, однако, что некоторое напоминание существующих форм не должно быть изгнано окончательно, по крайней мере в настоящее время».
На долю русского авангарда выпала задача ввести беспредметность в русло искусства, исследовать ее свойства. В 1910- 1914 годах в русском искусстве возникает несколько направлений беспредметного творчества.
Супрематизм появился из абстракционизм. Многие художники абсракционисты считали, что беспредметность – не отмена старого искусства, а логическое развитие его форм. « Беспредметная живопись, - писал Кандинский, - не есть вычеркивание всего прежнего искусства, но лишь необычайно и первостепенно важная разделение старого ствола на две главные ветви, без которых образование кроны зеленого дерева было бы немыслимо».
Малевич тоже считал, что созданный им супрематизм стал ступенью в лестнице, по которой движется мировое искусство.
В мае 1916 года , защищая новое направление, художник Малевич писал А. Бенуа: « И я счастлив, что лицо моего квадрата не может слиться не с одним мастером, ни временем. Не правда ли ?
Я не слушал отцов и я не похож на них. И я – ступень».
Не правда ли – очень современным кажется это высказывание, хотя прошло уже почти 100 лет?
«Черный квадрат» стал визуальным манифестом нового поколения. В нем все – краски, формы, структуры – сведено к нулю, и художник, как демиург начинает творить новые миры из этого «ничто».
«О сознание!- писал Малевич в одном из писем. – Какая хорошая вещь - сознание, что только нельзя с ним сделать, вот уж прибор, разворачивает без устали. Главное, разворачивает НИЧТО. Ох, какие ожидают чудеса нас, как бы их предупредить».
Для того чтобы закрепить понимание того, что из себя представляет такое направление русского авангарда, как супрематизм мы в классе на уроке изо изображаем котов (следующие представители нашей будущей выставки) так, как их изобразил бы художник К. Малевич.
Этап 5 Лекция
Одним из самых оригинальных направлений русского авангарда было АНАЛИТИЧЕСКОЕ ИСКУССТВО.
Его создателем считается Павел Филонов
— русский художник (художник−исследователь, как он официально именовал себя сам), поэт, один из лидеров Русского авангарда; основатель и теоретик аналитического искусства — уникального реформирующего направления живописи и графики первой половины XX века, оказавшего и оказывающего заметное влияние на творческие умонастроения многих художников и литераторов новейшего времени
Каждое прикосновение к холсту, по Филонову, — «единица действия», атом — всегда действует формой и цветом одновременно. Впоследствии (в «Докладе» 1923 года, и в дальнейшем) П. Филонов развивает тезисы манифеста: «Упорно и точно рисуй каждый атом. Упорно и точно вводи выявленный цвет в каждый атом, чтобы он туда въедался, как тепло в тело или органически был связан с формой, как в природе клетчатка цветка с цветом». Филонову важны методы, которыми действует природа, а не её формы. Художник указывает на то, что для него нет принципиальной разницы между формой, которой творят — «крайне правый реалист и левый беспедметник, и все существующие разновидности всех течений и мастеров во всех и в любом способе и сорте применения материала и в искусстве, и в производстве — все поголовно работают одною и тою же и только одною лишь реалистическою формой, иной формы нет и не может быть…»
Попытка художника зрительно воссоздать параллельный природе мир, то есть уйти от реальности в изобретаемое, отвлечённое, несмотря на революционно-пролетарскую фразеологию Филонова, становится опасной утопией. Постепенно вокруг художника воздвигается стена изоляции и отвержения.
Основные положения аналитического искусства Павел Филонов сформулировал так: « Не так интересны штаны, сапоги, пиджак или лицо человека, как интересно явление мышления с его процессами в голове этого человека или то, как бьется кровь в его шее через щитовидную железу и притом таким порядком, что этот человек неизбежно будет либо умным, либо идиотом».
Одним из главных положений аналитического искусства был принцип сделанности картины. Павел Филонов говорил : «Упорно рисуй каждый атом»… Его картины выглядят словно мозаика.
Если ученикам предложить изобразить внутренний мир кота так, как его видел Павел Филонов, получиться очень интересно. Это практическое задание мы также выполняем для того, чтобы закрепить информацию о творчестве художника.
Этап 6
Сценка «ХУДОЖНИК В МАСТЕРСКОЙ». Материал готовит один из наших одноклассников, а мы делаем выводы.
КУБИЗМ от фр. Cubisme — авангардистское направление в изобразительном искусстве, прежде всего в живописи, зародившееся в начале 20ого века и характеризующееся использованием подчеркнуто геометризованных условных форм, стремлением «раздробить» реальные объекты на стереометрические примитивы.
Стимулом к развитию нового языка искусства, пожалуй, стал вопрос: зачем рисовать? К началу XX в. основам "правильного" рисования можно было научить практически любого. Активно развивалась фотография, и стало понятно, что изображения фиксационного, технического плана станут ее вотчиной. Перед художниками встал вопрос: как искусству остаться живым и актуальным в мире, где изобразительные образы становятся все доступнее и все легче тиражируются? Ответ Пикассо чрезвычайно прост: в арсенале живописи есть только ее собственные специфические средства - плоскость холста, линия, цвет, свет, и их совершенно не обязательно ставить на службу природе. Внешний мир лишь дает толчок для выражения индивидуальности творца. Отказ от правдоподобной имитации предметного мира открывал перед художниками невероятно широкие возможности. Шел этот процесс по нескольким направлениям. В области "освобождения" цвета лидировал, пожалуй, Матисс, а Брак и Пикассо - основатели кубизма - больше интересовались формой.
Изначально Пикассо под влиянием отчасти иберийского и африканского искусства, отчасти идей Сезанна стал огрублять и упрощать очертания фигур и предметов (это период раннего кубизма, 1906/07-1909 гг.). Примером могут послужить произведения 1908 г. Фигуры в "Фермерше", "Дриаде", "Трех женщинах" и "Дружбе" легко вычленяются в контексте полотна, но при этом сведены к определенной комбинации переданных цветом объемов. Сезанн говорил: "Все природные формы можно свести к сферам, конусам и цилиндрам. Начиная с этих простых основных элементов, можно сделать, что угодно". Вполне "сезанновской" в этом смысле является работа "Две обнаженные фигуры", где человеческие тела уподоблены формам окружающего мира, практически слились с ним.
Сезанн говорил: "Следует не воспроизводить натуру, а представлять ее, но какими изобразительными средствами? Посредством формирующих цветовых эквивалентов". Пикассо ему вторит: "Кубизм никогда не был чем-то иным, кроме живописи ради самой живописи, в которой исключаются все понятия несущественной действительности. Цвет играет роль только постольку, поскольку он помогает изображать объемы".
Во многих натюрмортах 1909 г. видны игры с точкой зрения на предметы: например, в полотне "Хлеб и ваза с фруктами на столе" на вазу и фрукты взгляд направлен сверху, а на перевернутую чашку - сбоку и чуть снизу, ведь мы не видим ее дна. Все более свободно мастер манипулирует средствами
изобразительности, теперь он действительно волен делать с ними "все, что угодно". Начинается период "аналитического" кубизма (1909/10-1912). Эту манеру можно рассмотреть на портрете Амбруаза Воллара, над которым Пикассо работал в 1910 г. Лицу маршана придан естественный цвет, поэтому оно легко выделяется из смешения граней, отрывочных форм, линий (в портрете Даниэля Анри Канвейлера лицо цветом почти не подчеркнуто, и работа кажется более формальной и холодной). Цвет в произведениях этого периода лишь подчеркивает объемы и позволяет выявлять пластическую суть объекта изображения. О разложении формы цельного предмета на мелкие разнородные детали Пикассо говорил так: "Зритель видит картину только по частям; всегда лишь фрагмент за раз: например, голову, но не тело, если это портрет; или глаз, но не нос или рот. Следовательно, все всегда правильно".
В произведениях синтетического кубизма, датирующихся 1912-1914 гг., зачастую использовалась изобретенная Браком техника коллажа, они включали в себя дотоле "посторонние" искусству элементы (газеты, ткани, крупинки песка, земли) и превратились в некие арт-объекты, составляющие которых лишь обозначали подобия, соответствия, давали смотрящему на картину определенные ориентиры, но не показывали предмет в его "данности" (в качестве примера можно привести работы "Гитара" 1913 г. и "Композиция с гроздью винограда и разрезанной грушей" 1914 г.). Тем не менее все большее разложение и искажение форм (особенно периода аналитического кубизма) привели к тому, что зрители стали воспринимать кубистические работы как абстрактные, а это Пикассо никак не устраивало. Для него было важно, чтобы зритель, во-первых, эмоционально реагировал на полотно, во-вторых - улавливал авторский посыл, заложенный в произведении, и - желательно - подчинялся ему. С чистой же абстракцией это далеко не всегда возможно. И таким образом кубизм, открывший массу новых возможностей для изобразительного искусства, постепенно перестал занимать мастера, создавшего его.
Предлагается ученикам рассмотреть работы художника Пикассо в стиле кубизм.
Для закрепления материала рисуем котов в стиле кубизм и это следующие экспонаты на нашей выставке.
Этап 7
Самостоятельное изучение материала по карточкам во время урока. Самостоятельные выводы о творчестве художника и о его отличительных особенностях.
АБСТРАКЦИОНИЗМ от лат. слова abstractio — удаление, отвлечение) — направление нефигуративного искусства, отказавшегося от приближённого к действительности изображения форм в живописи и скульптуре. Одна из целей абстракционизма — достижение «гармонизации», создание определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у созерцателя разнообразные ассоциации. Основоположники: Василий Кандинский, Казимир Малевич, Пит Мондриан.
Направление абстракционизм хотелось бы рассмотреть на примере работ Пита Мондриана.
Питер Корнелис (Пит) Мондриан— нидерландский художник, который одновременно с Кандинским и Малевичем положил начало абстрактной живописи.
Начинал преподавателем рисования в начальной школе, ранние работы — пейзажи Голландии в духе импрессионизма. Увлекся теософией Е. П. Блаватской. Глубоко воспринял искания кубизма на выставке кубистов в Амстердаме (1911). В 1912 переехал в Париж, в знак начала новой жизни изменил фамилию на «Мондриан». Годы Первой мировой войны провел на родине, в 1915 сблизился с художником Тео ван Дусбургом, основал с ним вместе движение «Стиль» (нидерл. De Stijl) и одноименный художественный журнал. Журнал стал органом неопластицизма — утопии новой пластической культуры как предельной сознательности в скрупулезной передаче обобщенной красоты и истины самыми аскетическими средствами, основными, первичными красочными тонами, линиями, формами.
Это нефигуративное направление Мондриан скурпулезно и последовательно развивал во Франции, где прожил с 1919 по 1938, затем в Великобритании, а с 1940 — в США. В американский период своего творчества Мондриан попытался приспособить принципы неопластицизма для передачи динамических эффектов («Буги-вуги на Бродвее»). Умер от воспаления легких.
Оформление нью-йоркской студии Мондриана, в которой он проработал лишь несколько месяцев и которое было тщательно воссоздано его друзьями и последователями на фото- и кинопленке, стало как бы последней работой мастера, эти «Стенописи» демонстрировались на выставках в Нью-Йорке, Лондоне, Токио, Сан-Пауло, Берлине. Парижская квартира Мондриана, его трубка и очки запечатлены на минималистских фотографиях Андре Кертеса (1926), ставших эмблемными для современного фотоискусства
Для того, чтобы увидеть , кто какие выводы сделал, нужно нарисовать котов так, как нарисовал бы из художник Мондриан. Молодым людям, которые уже погрузились в творчество авангардистов не составляет большого труда.
Этап 8. Выстав… Продолжение »
